Public Housing

Dir. Frederick Wiseman
Estados Unidos, 1997



La arquitectura de las grandes ciudades se basa en los recursos de los habitantes, con el dinero compras tu lugar dentro de la sociedad en donde tus necesidades básicas serán cubiertas, pero si no dispones de este elemento, tendrás que buscar la manera de encontrar un lugar para vivir, en Rio de Janeiro o Sao Paulo se forman las favelas en las afueras de la ciudad en donde habitan desorganizadamente los grupos más desfavorecidos de la sociedad, en la ciudad de México, sólo en algunos casos el gobierno ha ayudado a ubicar a este sector de la población en Multifamiliares y en Estados Unidos desde el siglo XIX se han promovidos los "Proyectos de vivienda pública" espacios administrados por el gobierno, que ofrecen vivienda barata para familias de bajos recursos que a su vez se organizan para mantener a la comunidad.




Es en uno de estos "Projects" en donde Wiseman retrata la cultura de esta gente, su manera de organizarse y los problemas que enfrentan, lo interesante es su conocido estilo de estructurar los documentales, ya que no se vale de recursos como la voz en off, o los intertítulos para conducirnos por estas historias, simplemente se dedica a la tarea primordial de "Documentar", registrar lo que ve, en tomas largas con la finalidad de sugerirle al espectador la reflexión, por medio del desenvolvimiento natural de los personajes.

De esta manera Wiseman nos ofrece imágenes puras de la cultura de estos "ghettos" que actualmente ha sido llevada al "mainstream" en los medios, como una manera de mostrar la superación de los que alguna vez vivieron en algún "Project", Por ejemplo; los raperos que se identifican como parte del "ghetto", incluso en una secuencia del documental observamos la filmación amateur de un videoclip de un rapero, orgulloso de su comunidad, mostrando joyas, collares y anillos, tratando de hacer evidente su superación económica.

Por otra parte, Wiseman nos muestra la relación de una policía impotente ante las patologías sociales de su propia comunidad, dejando ver el ciclo de miseria que envuelve a la comunidad, en donde el futuro de los niños se cierra a 2 vertientes o te conviertes en delincuente o en policía. Pero cual sea el caso, difícilmente saldrán del "ghetto".

Salesman

Dir. Albert and David Maysles
Estados Unidos, 1968



"Direct Cinema is the result of two predominant and related factors—The desire for a new cinematic realism and the development of the equipment necessary to achieving that desire"

Los logros más importantes de este filme es la capacidad de los hermanos Maysles de convertir invisible a la cámara y al "crew", lo que le ha costado tanto trabajo a Jean Rouch capturar. En este filme los gestos se muestran con una naturalidad sorprendente ante provocaciones externas, como lo es la insistencia de algún vendedor. Los movimientos son medidos con precisión y los personajes muestran su verdadera personalidad "sucia" y competitiva frente a la cámara.

Por medio del seguimiento de 4 patéticos vendedores de Biblias sobrevaluadas, los autores nos dejan descubrir el lado oscuro del sueño americano, en una época caracterizada por los excesos y la contracultura nos encontramos con el paisaje más desafortunado de la nueva sociedad de consumo que se gestaba a través de los Estados Unidos, los "targets" de las Biblias son familias de clase obrera, es un tanto doloroso observar como los están hipnotizando para caer dentro de esta red, que forma parte de la cultura del crédito que sobrevive hasta nuestros días, de la misma manera que vemos ahora señoras marcando a los teléfonos de los llamados: "telejuegos" o productos que las harán bajar de peso.



Igual de desolador son las vidas de estos personajes, rechazados múltiples veces y lo más difícil es que es en persona, muchas veces les cierran la puerta en la cara, ahora por lo menos es más impersonal a lo mucho le colgamos al vendedor de afores que nos llama a nuestra casa y ni siquiera sabemos su físico, pero en persona, la escena se vuelve más patética, ellos viven en un ambiente de jungla, no pueden ser amigos puesto que buscan a la misma presa, se han convertido en seres grises, nómadas, moviéndose de lugar para encontrar el "sustento". Divagando, me pongo a pensar que si retratara la vida de los vendedores en el presente, creo que también la haría en Blanco y negro, los tonos grises entonan con sus vidas.

Crónica de un Verano

Dir. Jean Rouch & Edgar Morin
Francia, 1960.



Durante el verano de 1960, el antropólogo Jean Rouch, de regreso en Francia, acompañado del sociólogo Edgar Morin, deciden nuevamente, ejercer un juego de manipulación teniendo como testigo su cámara y como víctimas a los habitantes de Paris.
Es un eperimento social en el cual buscan retratar la identidad de los habitantes de la ciudad, en especial de la clase obrera, pero mientras se desarrolla la historia pareciera que se trata de una lucha constante por hacerlos expresar, Rouch ya no está en áfrica, esta tribú citadina no se expresa con el baile ni con rituales, de hecho dudo de su capacidad de bailar.

Ahora la tarea se siente un tanto falsa en un ambiente de concreto, la línea entre la verdad y la ficción se funde en los gestos de los "personajes", pues parte de la premisa de si es posible mostrarse sinceramente ante una cámara, como se puede ver en la conversación que mantienen los autores al principio de la película.
Crónica de un verano, representa la "Nouvelle Vague" francesa, basándose en el "Cinema Verité", nos deja las bases de lo que hoy conocemos como: "Reality shows", en donde el principal objetivo es conocer las vidas de los personajes y como se relacionan en su entorno. Aspectos que televisoras como MTV han tomado para la creación de sus shows como lo es: "The real World" en diferentes ciudades.



Un punto en común relevante entre estos 2 contrastantes ejemplos, es el hecho de que los autores seleccionan a sus personajes, en "Crónica de un Verano" ha sido Morin el seleccionador, pues como todo proyecto de realidad, tiene que haber un sector y un tema el cual se busca exponer en lo que dura el programa. De este modo ellos seleccionan a miembros de la clase obrera de Paris, muchos de ellos renuentes a mostrar su verdadera personalidad y en otros casos acaparadores de la atención. Un personaje en especial es un mecánico, el cual, como los chicos de los "Reality shows" busca protagonizar, maneja las cámaras de un modo natural manipulando al mismo manipulador que es Jean Rouch.

Autoretrato II

Cuando se me pidió hacer la tarea de realizar un ejercicio documental sobre mi persona, lo primero que llega a mi mente es un informe policiaco, por mi afición al género del suspenso, en especial los crímenes y su subsecuente investigación policiaca, pero después del post primero de Autoretrato I he madurado la idea.

Me sigue gustando la idea de seguir pistas, darle al espectador pequeñas dosis de mi persona, para que construyan una idea de lo que soy y lo que hago, pero ya no establecer ninguna forma, prefiero sugerir, ya que las perspectivas siempre son subjetivas.

El documental se basaría en hechos que dirían las personas con las que convivo en mis rutinas diarias, sin concentrarme en familia, amigos o algún otro grupo en especial. Cada persona que cruzo regularmente podría dar su punto de vista, desde el Portero del edificio en donde habito, hasta la señorita que atiende la cafetería de la universidad a la que asisto; en donde como la mayoría de los días.

Casi nunca se vería mi rostro en pantalla, salvo por detalles los cuales saldrán de la opinión de los entrevistados.

En cuanto a los aspectos técnicos, será grabada en video HD, la mayoría de las tomas serían "cámara al hombro" para dar un sentido de movilidad en busca de las pistas.
Quiero añadir elementos especiales para proporcionar un ambiente de investigación, algunas entrevistas serán por teléfono, otras por email y otras incluso por medio de cartas. De esta forma pretendo jugar con el discurso, hacer de la cámara un personajes más.

He de decir que el filme de Ben Russell me ha inspirado, en el sentido de que la cámara siempre está presente, me gusta en "Let each one go where he may", como se siente que es un personaje más, y en éste caso serán varios personajes más, pues la cámara se adueñará del personaje al que entrevista o ¿será viceversa?.

El ritmo será rápido al principio, pasando de una pista a otra, pero a medida que se van reuniendo, será más pausado, dejando un tiempo de reflexión. Para llegando al final del documental las tomas serán pausadas, me gustaría imitar la forma de filmar de Ben Russell cuando sigue a los hermanos en su viaje por canoa. En mi autoretrato esto se lograría como un detective que corteja a su presa, cada vez más cerca, hasta convertirse en su guarda-espaldas.

War at a distance

Dir. Harun Farocki, (2003).

La guerra ha cambiado, ahora ya no se combate en el campo de batalla. El combate empieza desde las fábricas y si nos vamos más atrás, al presupuesto que designan los gobiernos para la seguridad nacional. Es de esperarse que de esta manera los países más industrializados del mundo mantengan el poder tecnológico bélico:


¿Pero qué sucede con los soldados?, ellos son entrenados para combatir en una pantalla, no con su fuerza o inteligencia, con la nuevos misiles guía, aviones No tripulados y demás tecnología, la guerra pierde su último rastro de humanidad, ya no es una confrontación persona a persona, es un "aplastamiento" por medio de máquinas.

Cabe mencionar los comentarios de los soldados norteamericanos con respecto a la guerra en Irak, en el documental "Farenheit 9/11" de Michael Moore, una vez uno de ellos comenta: "se siente como estar en un videojuego." Grave error de la humanidad, hemos perdido el sentido de la compasión, con una guerra tecnológica, es lo mismo mandar un misil a un punto "X" en Irak que en China. Las "X" no tienen cara, ni hablan.

Harun Farocki nos presenta un documento sobre la guerra como impulsora de la tecnología que llega eventualmente al consumidor. Por medio de imágenes de distintos aparatos, nos expresa el complejo sistema de las armas de destrucción. Vistos como una industria de la destrucción en donde la mayoría de los aparatos no son controlados por el ser humano sino, son "máquinas para las máquinas".

The War Game

"El juego de la guerra"
Dir. Peter Watkins, (1965).



Peter Watkins con su experimento especulativo, ha sido uno de los grandes innovadores del cine documental, a él no le importa el apellido del cine, su trabajo siempre se pierde entre la línea de la ficción y la realidad, cualidad que alimenta su análisis por parte de los críticos.
El filme fue aclamado por la crítica en los años 70's a raíz del boicot causado por la BBC, por usar su nombre dentro del documental, pero fue más importante por el entorno en el que se vivía en Inglaterra en aquella época, debido al descontento social por el hecho de que Harold Wilson rompe su promesa electoral de desarmar a la Gran Bretaña, desarrollando un programa a gran escala de armas nucleares, éste tema viene de la mano con la propaganda de los gobiernos para ganar la aceptación del pueblo como observamos en el filme "The Atomic cafe" o más recientemente en los discursos sobre el "enemigo" que caracterizaron el periodo de George W. Bush, mediante una generación de miedo se llega a la necesidad del pueblo por sentirse seguros.



Peter Watkins recurre al falso documental para recrear lo que pasaría en la campiña Inglesa en el evento de un ataque nuclear. Por medio de entrevistas nos muestra las debilidades sociales que serían las causantes de una crisis humanitaria.
Se trata de una especulación social en un entorno casi apocalíptico, en donde las fuerzas policiacas serían rebasadas por el caos, en un evento así, es probable que el gobierno les otorgue el poder del "orden", acción que propone Watkins como un detonante del abuso de poder, ya que ellos empiezan a disparar indiscriminadamente hacía la población afectada en un intento de prevenir una posible rebelión de los moribundos que se asemejan a zombies.

The Atomic Cafe

Dir. Jayne Loadar y Kevin Rafertty
Estados Unidos, 1982.



Los gobiernos manipulan los medios de comunicación para sus fines políticos, una prueba fue la "Guerra fría", en donde ante una posible crisis, el gobierno lanzó una campaña para "desmitificar" el daño que provocaría una bomba nuclear, disminuyendo su riesgo argumentando que con sólo cubrirte ojos, nariz y boca, estabas salvado y en otra forma para alentar a la población a defenderse como país, impulsando el nacionalismo como medio para justificar la carrera armamentista y tener el apoyo de la población que finalmente con sus impuestos pagaría la posible guerra.

El documental es un collage de propaganda oficial de los Estados Unidos de los años 40's y 50's, en los que incluye videos militares sobre información de la bomba atómica.

Los directores dotan de un humor negro al repetir un video educativo para niños que minimiza el peligro de una bomba de ese tipo, la situación nos parece hoy en día absurda y risible, pero con esto llega la pregunta de si la propaganda del gobierno en curso, algún día también nos parecerá ridícula, infiriendo nuestra poca capacidad analítica en la actualidad.

Cuando un país está en crisis recurre a la propaganda como medio para apelar a la conciencia de las masas, reafirmando sus decisiones como acertadas.

En México hemos visto a lo largo de los últimos años una fuerte campaña en donde se realza el nacionalismo como unión frente al "enemigo", similar al de la guerra de Vietnam en Estados Unidos en donde se llamaba a los jóvenes a entrar en el ejército. De este modo se escenifican espectáculos de "logros" para obtener el apoyo del pueblo en cuanto al gasto federal.

Abajo hay un claro ejemplo, de una escenificación del gobierno Mexicano: